5 tips para el control de la luz natural

Por Mitchell Kanashkevich
En el artículo “ Estás practicando estos 5 tips sobre la luz natural “ he discutido 5 cosas que yo considero que son las primeras ideas detrás del trabajo efectivo con luz natural. En este artículo es momento de discutir algunas de las formas específicas con las cuales podemos controlar la luz natural, o más bien controlar el impacto que la luz natural tiene en la escena que encuadramos en el visor de la cámara.
  1. Esperar
 Tal como he mencionado en el artículo anterior, las características de la luz natural cambian. Tomando la misma escena o sujeto a diferentes horas del día, o en diferentes condiciones de clima, puede producir imágenes completamente diferentes. Esperar es lo primero, es lo mas fácil, pero al mismo tiempo potencialmente lo mas frustrante que podemos hacer en nuestro esfuerzo por controlar la luz. La espera puede durar unos pocos minutos, por ejemplo mientras pasan unas nubes, a unas horas para que salga el sol, o semanas para que una particular condición de clima se produzca. Mientras estamos a merced de la madre natura esperando una particular clase de luz natural, podemos reducir algo de la frustración estando mejor preparados para sacar ventaja de la luz que nos ha tocado. Podemos hacer esto verificando los reportes del clima antes de ir a los lugares escogidos, observando los efectos de la luz de los fenómenos climáticos en aquellos lugares, y entendiendo lo que podrían causar ciertas condiciones como neblina o hasta incluso una tormenta de arena.

La imagen de arriba se logró porque yo observé el clima en el área antes de la toma, y porque yo esperé. En las mañanas en esta parte de Rumanía en esta época del año regularmente hay neblina, que produce una dramática reacción al sol del amanecer. La neblina se disuelve antes que el sol ascienda del todo, por lo que la foto más dramática se puede hacer en las primeras horas del ascenso del sol. Yo esperé, volví a este lugar en el momento preciso y tomé la imagen que pueden ver, el humo de las chimeneas fue un bono extra. 2.Difundir la luz
 No podemos difundir la luz natural en su fuente- el sol. El primer y más simple modo para difundirla es mediante nuestra posición y/o la de nuestros sujetos en relación con el sol. Por ejemplo, podemos pedir a nuestro sujeto que se mueva ( o ubicarlo, si fuera un objeto inanimado ) en la sombra o al interior, o simplemente podemos escoger objetos que ya están en la sombra o al interior—esto nos dará bastante luz natural difusa con que trabajar.

La imagen de arriba fue tomada en un día de sol brillante. La luz directa del sol era demasiado fuerte y no apropiada para la imagen que yo quería hacer, entonces les pedí a los sujetos que se muevan hacia la sombra de las paredes de su casa. También podemos difundir la luz con difusores hechos especialmente, que usualmente son telas brillantes extendidas en un marco. El efecto es el mismo, pero el difusor es portátil. Corriendo las cortinas sobre las ventanas es otro ejemplo perfecto de un difusor de luz natural. Un imponderable en la difusión de la luz natural de esta manera, es que no podemos realmente hacer mucho en el caso que el sujeto sea muy grande, como un edificio o una montaña. En tales casos no podemos hacer nada sino esperar que la naturaleza difunda la luz, por ejemplo con nubes.
  3.Dirigir la luz
 Podemos dirigir la luz natural de manera similar a como la difundimos—moviéndonos y/o moviendo a nuestros sujetos en relación a la fuente de luz, que en este caso puede ser el sol, si estamos al exterior, pero también podría ser una ventana abierta, si estamos en interior.

Un ejemplo perfecto de dirección de la luz estando al exterior, es cuando elegimos hacer una imagen tipo silueta, como en el caso de arriba. Posicionas al sujeto entre el sol y tu, así diriges la luz desde atrás del sujeto haciendo un contraluz. Lo mejor cosa con la luz natural, es que hay virtualmente incontables maneras de dirigirla, dependiendo de la posición del sol, o la fuente de luz ( si estamos en interior ) y por supuesto dependiendo de la posición suya y de su sujeto.

Nótese como hay una clase de contorno brillante alrededor de la abuelita y de la vaca en la fotografía de arriba. Esto también es por la forma en que he dirigido la luz, o en otras palabras a causa de mi posición en relación a la fuente de luz ( el sol al comienzo de su descenso, y el sujeto ). Yo hice una elección consciente del momento de hacer la toma cuando el sol iluminaría a la abuelita desde un particular ángulo- ligeramente desde atrás y un poco desde el costado. Esto fue lo que causó las líneas brillantes en el contorno. La siguiente fotografía es un ejemplo perfecto de dirección de la luz estando al interior. La manera mas fácil de hacer esto, es posicionar al sujeto muy cerca de la fuente de luz que en este caso fue una angosta puerta. Como se puede ver, los resultados pueden ser dramáticos, particularmente si el interior es bastante oscuro y la única fuente de luz es la que está cerca del sujeto. En tales circunstancias la luz nos ayuda a crear una progresión de tonos oscuros de luz, que resulta en una suerte de efecto escultórico, el sujeto se ve bien definido, lo que da una sensación de volumen.

Como en el caso de difundir la luz natural, estamos limitados también para dirigirla. Podemos pedir a un sujeto que se mueva, pero no podemos mover, por ejemplo, montañas. Sin embargo tenemos algo de control. Con transporte y algo de planificación previa, nos podemos mover alrededor de las montañas, hasta un particular ángulo en relación con la luz, de manera que nos podemos posicionar de una manera favorable a nuestros propósitos fotográficos.
  4. Reflejar la luz

Podemos reflejar la luz en unas pocas diferentes maneras. Reflectores con superficies especialmente reflectivas ( a veces de diferentes colores ) son la manera mas fácil de reflejar le luz. He usado uno de estos para la imagen de arriba, para darle algo mas de vida, porque en algunos casos, la luz difusa puede hacer que todo se vea un poco sin volumen o relieve. El reflector trabaja reflejando la luz, dirigiéndola hacia el sujeto. Para un efecto mas pronunciado, es mejor tener al sujeto en luz difusa ( como fue el caso de la imagen de ejemplo ), en la sombra o al interior, y tener el reflector reflejando sol brillante. Cuanto mas cerca esté el reflector al sujeto, mas fuerte será la luz que proyecte. Para la imagen de arriba, yo tuve un amigo sosteniendo el reflector a unos 4.5mt del sujeto. El encontró un sitio donde los rayos del sol caían en el reflector y eran dirigidos hacia el sujeto desde un lado. Casi cualquier cosa plana y relativamente brillante puede servir de reflector, en diferentes intensidades, nieve, agua, hasta arena brillante.
  5. Considerar situaciones con múltiples fuentes de luz
 Estas situaciones ocurren en espacios interiores, que pueden ser construidos o naturales ( ejemplo una caverna ). En estos casos, las ventanas u otras aberturas actúan como fuentes de luz, y si hubieran dos o algunas mas, podemos tener finalmente múltiples fuentes de luz.

Observen la imagen de arriba, el hombre recibe luz desde atrás que le produce brillo alrededor de su cabeza, pero al mismo tiempo recibe suficiente iluminación desde el frente como para que podamos ver detalles en su cara y cuerpo. Esto sucede porque la luz viene desde dos fuentes, la ventana detrás de el, y la puerta hacia la cual está caminando ( la que no está en el cuadro ). Un escenario similar tiene lugar en la siguiente imagen. La fuente principal de luz es la ventana a la izquierda del cuadro, la que crea una progresión de tonos ligeramente oscuros, haciendo que el sujeto se vea como esculpido ( igual que cuando dirigimos la luz ). Hay sin embargo otra fuente de luz aquí, una ventana justo detrás de mí, cuyas cortinas fueron corridas sobre ella. Las cortinas difunden la luz, pero la luz aún es suficiente como para servir de luz de relleno.

Palabras finales
 Ahora está usted familiarizado con algunas de las formas como podemos controlar el impacto de la luz natural en la escena que planeamos fotografiar, puede salir y experimentar.

5 Tips con la luz natural

Por Mitchell Kanashkevich- autor del libro (ebook), Natural Light: Mastering a Photographer`s Most Powerful Tool.

 1. Tenga en cuenta que las Características de la luz Natural Cambian 
 La luz natural es la mas importante y poderosa herramienta disponible para los fotógrafos, y es gratis para todos en el mundo entero. Comprender como trabaja la luz natural, y como trabajar con ella efectivamente, es una de la claves con la cual todos nosotros podemos mejorar nuestra fotografía sin gastar mas dinero en equipo sofisticado. En este artículo de blog, he delineado cinco tips los cuales considero los mas vitales para mejorar la forma en que trabajamos con la luz natural y con ello mejorar nuestra fotografía. Antes de entrar a los tips, quiero dirigir la atención a un hecho muy importante. Tomamos fotos para comunicar visualmente. Con nuestras fotos intentamos contar historias, o plasmar un ambiente, una atmósfera, que es como estar en un lugar o con una cierta persona. Este hecho es muy importante tener en mente, porque nos ayuda a poner todo en perspectiva. Nos ayuda a tener presente que, finalmente nuestro uso de la luz natural, es ni mas ni menos que uno de los recursos para comunicar visualmente
Las características de la luz natural cambian a causa de la hora del día, a causa del clima y por varias otras circunstancias. Se puede decir que hay diferentes clases de luz.

Las diferentes clases de luz harán que la misma escena se vea diferente como se puede ver en las fotos de arriba, que fueron tomadas a diferentes horas del día ( la de la izquierda al anochecer, la del medio al amanecer y la de la derecha a mediodía ). Para el fotógrafo esto significa que, si una escena no se ve de la manera que uno quisiera, como se veía a la hora del día, o con el clima con que inicialmente fue vista, se puede tener la posibilidad de captarla viéndose completamente diferente, en otra hora con otra clase de luz. 2.No ver la luz natural en términos de “ buena “ o “ mala “ 
  Muchos de nosotros estamos virtualmente adoctrinados con la idea de que la luz durante la “ hora dorada “ ( cuando se pone el sol ) es buena, o mas aún, es la mejor clase de luz para hacer fotografía. La luz alrededor del mediodía es generalmente considerada como la peor calidad de luz. En realidad, esta manera de ver a la luz, puede ser creativamente muy limitante. La luz de la “ hora dorada “ hace que todo se vea hermoso y mágico a causa de las tonalidades suaves y doradas que produce. 

La imagen de arriba es un gran ejemplo de luz de “ hora dorada “ embelleciendo una escena. Pero, y si quisiéramos crear una imagen que no sea acerca de la belleza de un lugar o una persona ? La luz de la hora dorada puede no ser apropiada en tal situación.
 La imagen de abajo es un buen ejemplo de cuando la luz del mediodía puede ser la calidad preferida de luz. Con esta foto he querido comunicar primeramente lo que es trabajar en un entorno muy soleado, y he querido mostrar la dureza del trabajo manual. Si la imagen hubiera sido tomada durante la hora dorada, la escena se podría haber embellecido y romantizado, y el mensaje probablemente se habría perdido. En la fuerte luz del mediodía, las sombras marcadas y los vivos colores, me ayudaron a comunicar exactamente lo que quería. 

En conclusión mi consejo es, mirar los diferentes tipos de luz natural, como herramientas a escoger de un juego de herramientas. Ninguna herramienta es buena o mala, solo adecuada o no para lo que estás tratando de comunicar. 
 3. Obsesiónese con observar la luz 
Observe la luz en su vida diaria, como interactúa con todo lo que está a su alrededor, con partículas de polvo, agua, observe como cambia cuando uno se mueve de un lugar a otro, como produce las sombras. Observe como los fotógrafos que usted respeta usan la luz en su trabajo. El objetivo es autoeducarse, entrenando sus ojos en reconocer diferentes escenarios de iluminación y eventualmente ser capaz de predecir cuando alguno de los mas evasivos puede ocurrir. 
La foto de abajo fue posible porque yo había observado similares escenarios de iluminación anteriormente. Yo sabía que rayos de luz estrechos a través del humo, pueden crear efectos dramáticos, cuando la luz ilumina el humo en un cierto ángulo. En esta situación el sol estaba situado justo iluminando el humo en el ángulo correcto para producir el efecto especial del rayo de luz. Tenía una fuente de luz angosta, la puerta entreabierta, que pude angostar aún mas pidiendo a mi amigo cerrarla mas, acentuando así el efecto.

 4. Experimentar y fotografiar solo para ver como se traslada cada cosa a través del visor

No importa cuanto observes la luz natural, o cuantos tips has leído acerca de esto, para realmente hacer lo máximo de esto fotográficamente, necesitas tomar fotos.

La experimentación no necesariamente conduce a obras maestras, pero te ayuda a entender como trabaja la luz en un sentido práctico. Con cámaras digitales no hay razón para reservar tomas, si ves un escenario interesante de iluminación, y estás pensando como se vería en una imagen, toma la foto. Eso es exactamente lo que hice con la escena de arriba. Yo vi que la escena estaba a contraluz, pero a la vez había luz que venía de la parte detrás mío. El primer pensamiento que vino a mi mente fue “ Como pudiera darle la vuelta”. Yo experimenté, hice varias tomas y llegué a lo que considero una imagen fuerte.

5. Exponer con el Post-Procesamiento en mente

No importa cuan buenas puedan ser nuestras cámaras, no seremos capaces de capturar el rango tonal completo creado por algunas de las mas difíciles situaciones de iluminación, sin la ayuda del software de post procesamiento tal como Adobe Lightroom.

Para obtener el máximo de tales situaciones es importante usar una exposición que te de la posibilidad de capturar el máximo detalle. Esto puede significar infra-o sobre-exponer ciertos elementos en una escena. Déjenme explicarlo usando un ejemplo.

Pueden ver en la primera imagen de abajo, que las caras de los hombres parecen oscuras, están infraexpuestas. Esta es la imagen que captó la cámara y mi decisión de infraexponerla fue deliberada. Con la exposición adecuada para las caras, las nubes hubieran resultado sobreexpuestas.

 En este caso no habría sido capaz de captar el detalle en esas nubes sobreexpuestas y se hubieran vuelto grandes bultos blancos. Por otra parte yo sabía que yo podría iluminar las caras de los hombres y sacar los

necesarios detalles en las nubes en Lightroom, con el simple recurso de rellenar las sombras.

Hacer la exposición con el postproceso en mente es una pequeña batalla mental. Constantemente tienes que preguntarte:  ¿Cual elemento es mas importante para la imagen? ¿Cuales son los detalles que podría aceptar perder, y cuales no podría perder? Por último puede haber situaciones donde los detalles no se pueden preservar infra-exponiendo o sobre-exponiendo y hasta que mejore la tecnología fotográfica, es algo con lo que tenemos que vivir.

 Algunas palabras finales 

Como ya he mencionado, no importa cuanto leemos sobre fotografía, para llegar a ser un mejor fotógrafo, nada importa más que hacer fotos. La mejor manera de aumentar y mejorar nuestra comprensión de la luz natural, es tener en mente los tips antes mencionados y fotografiar tanto como se pueda, en tantos escenarios diferentes de iluminación como sea posible. A continuación he incluido un cuadro interactivo que permite escoger un modelo de cámara de sistema compacto, del stock de Amazon, por sus características como marca,visor,megapìxeles y mas.

-->

Una leccion de 15 minutos para un fotógrafo principiante

Por: Peter West Carey. Estaba sentado en el calor y la humedad de la selva del Amazonas, dentro del aeropuerto (diseñado en 1970) de Puerto Maldonado, Peru. Teníamos unos pocos minutos antes de dirigirnos de regreso a Lima y yo estaba tratando de encontrar tiempo para ayudar a un joven noruego que viajaba con el mismo itinerario que yo.
Cuando el me vio unos días antes, tuvo un comentario que ya he oido docenas de veces durante mis viajes: " Yo justo he comprado esta cámara antes de mi viaje, y no he tenido como aprender a usarla, entonces simplemente la puse en Auto".
Si usted ha dicho esta misma frase en el pasado reciente, entonces lea esto. Si usted ya domina su cámara, no le resultará excitante.
Entonces yo le dije que me gustaría ayudarlo a aprovechar un poco mas su cámara para el resto de sus viajes por Sud América. Hacer esta oferta siempre es riesgoso porque algunos solo quieren unos pocos tips, pero otros te pueden absorber medio día de recorrido con constantes preguntas. Desafortunadamente nosotros no tuvimos la oportunidad de sentarnos y hablar de cámaras puesto que nuestro tiempo de viaje juntos, ya casi había terminado.
Con solo 15 minutos antes de abordar y sentarnos en diferentes áreas del avion, hice lo mejor que pude para darle rápidos tips para tomar mejores fotos cuando el fuera a Brasil.
He aquí lo que le dije.

Quita el modo Auto ( y las razones por que )
Como mucha de la gente nueva en uso de cámaras, el se quedó con el Auto o Auto sin flash. Yo pronto le expliqué que su cámara toma imágenes promedio en Auto, y le mostré unos pocos ejemplos. Quieres destacar una persona de un grupo? El automático hará que cada uno esté en foco, perdiéndose destacar a tu amigo. Frente a una puesta de sol y pensando porqué tu amigo siempre saldrá negro y el sol no es brillante?, por el modo automático. Con esto en mente yo sugerí...
Prueba el modo P
Moviendo el dial a P(rogram), le expliqué que él ahora estaría a cargo de cuándo el flash funcionaría (sin olvidar usarlo de noche cuando sea necesario, pero también a medio día, cuando hay sombras en los rostros, se puede rellenar las sombras con el flash). El también podría controlar la medición de la luz. Como habían luces en el aeropuerto, y amigos sentados con una luz brillante detras, tomé una foto con los amigos en el centro. Ellos salieron bastante oscuros a causa de la luz que había detras. "Si, yo he estado haciendo eso todo el tiempo" exclamó. La cámara estaba midiendo la luz detras y no delante en los amigos.
Le mostré un simple truco dirigiendo la cámara ligeramente hacia abajo de manera que el grupo de amigos llenaba el cuadro de la imagen, más que la luz que había detras. El podía entonces presionar el disparador hasta la mitad de su recorrido para que la medición se haga en ese lugar y luego volver a levantar la cámara para centrar el grupo de amigos y tomar la foto. Bum, los amigos están bien iluminados, mientras el fondo resulta algo sobreexpuesto. Expliqué que presionando el disparador hasta la mitad de su recorrido, la cámara mide la luz y la distancia, antes de continuar hasta que dispare la toma.
El modo P le permitiría otros ajustes, los cuales tuvimos que dejar de tratar por falta de tiempo. Yo le dije que había mas por aprender y que el manual le explicaría los ajustes que son posibles en ese modo.

Cuando usar el modo A
El modo A(perture) fué el siguiente y tiene uno de los mejores efectos en las imágenes. El modo A controla cuantas cosas van a estar en foco. Obviando los aspectos técnicos, yo le dije que cuanto mas bajo el número f/ (se muestra al fondo de su pantalla), menos cosas van a estar en foco. Cuanto mas alto el número, habrá mas cosas en foco. Esto es muy importante para hacer destacar algo.
Nuevamente usando un amigo, le mostré como a f/3.5 la persona destaca de los otros pasajeros en el área de espera ( demostrado aquí con una toma de el muro de una ruina en Machu Picchu a f/6.3)

Entonces aumenté el número f/ a su máximo y tomé otra foto, los amigos se mezclaron con el fondo ( demostrado aquí al aumentar el número de apertura de diafragma a f/40 en Machu Picchu )

La lección? Un número pequeño de apertura, ayuda a destacar objetos de lo que está en el fondo. Cuando quieres incluir todo, como un amigo frente a una playa o un monumento, usa un número alto.

Cuando usar el modo S
Como ya habían hecho el llamado de pre-embarque y la gente comenzaba a moverse, yo apuré mi presentación, que en este punto, era acerca de la velocidad en modo S(hutter priority). En modo S el ahora tiene el control sobre cuantas cosas saldrán borrosas. Por límite de tiempo, hice dos tomas en modo S.

A 1/10 de segundo, el movimiento comienza a hacer ver difusas las formas en interesantes maneras, si tu sabes lo que va resultando.
Por ejemplo, caídas de agua se empiezan a ver como velos. Cualquier movimiento puede ser acentuado.

1/500 de segundo es una buena velocidad para comenzar a congelar el movimiento.
Si el quiere detener algo en movimiento, cuanto mas rápida la velocidad de obturador, será mejor. Objetos que se mueven rápido típicamente necesitan una velocidad de 1/500 de segundo o mas. Este número es también controlado con el dial frontal que debe haber en tu cámara. Un ejemplo, aquí debajo, de un camión pasando rápido frente a una nueva estatua de Buda construida en Butan, tomado a 1/800 de segundo para detener la imagen del camión con nitidez.

Acercarse
Yo le dejé a el un último y simple consejo, y también para usted. Acérquese. Uno de los grandes errores de los fotógrafos novatos, es alejarse demasiado tratando de tener todo en foco. Esto, aunque a veces es efectivo, produce imágenes planas en dos dimensiones por carecer de profundidad. Acérquese. Yo le mostré a el algunos ejemplos con su cámara y por eso no tengo conmigo esas inágenes en el aeropuerto, pero puedo mostrar lo que digo con otro juego de fotos.
La primera imagen es la toma standard del turista. " Miren que bonita planta "

El problema es que la planta se pierde entre lo que hay en el fondo. Moviéndose un poco mas cerca, comienza a destacarse un poco mas.

Pero podemos hacer una toma aun mejor, logrando algo de detalle. En esta última toma, yo estoy a unos 30cm de la planta.

En este punto, mi sección del avion fué llamada para abordar, y era tiempo de partir.

Probablemente nunca mas volveré a ver al joven noruego, yo espero que esos 15 minutos lo ayudaron a tomar fotos un poco mejores en sus viajes por el mundo. Es también mi sincera esperanza, que esos pocos minutos puedan ayudar a usted, si está recién comenzando con una nueva cámara y quiere algun consejo para hacer mejores fotos.
Finalmente yo hubiera agregado: !Experimenta¡ , la fotografía debe ser divertida, y con costo cero prácticamente para experimentar digitalmente, juega con tu cámara y ve lo que funciona para ti.

Si tuvieras apenas 15 minutos para ayudar a alguien nuevo en fotografía y estuvieras viajando, que cosas le dirías?
Sugiero ver este curso:Click Here!
Blogs Directory

Aumenta un poco tu creatividad

Por Larry Lourcey.

Cuánto mejores serían tus imágenes si fueras mas creativo? Hay algún fotógrafo por ahí que no quisiera ser mejor en ésta área? La creatividad para un fotógrafo, es como los ingredientes para un chef. Si solamente tienes sal y pimienta para trabajar, tu comida no tendrá tan buen sabor como la de una persona con un recipiente lleno de especias. Entonces, cómo podrías llenar el recipiente de tu creatividad?

Una de las mejores maneras de aumentar tu creatividad, es por medio de auto tareas. Por definición, una auto tarea es algo que tu mismo te lo impones. No hay dinero por ganar, no hay un plazo de entrega, y no hay límite a tu creatividad. Desgraciadamente, la falta de un plazo de entrega, a menudo nos hace dejar proyectos en la hornilla del fondo y eventualmente olvidarlos. Teniendo un proyecto claramente definido, con plazos reales, aumentarás drásticamente la probabilidad de terminar el proyecto.

Los auto retratos son uno de mis desafíos favoritos para trabajar. El modelo está siempre disponible, no hay límites creativos y ellos te pueden realmente ayudar a crecer artísticamente. Hacen pocos años cumplí cuarenta. Para celebrarlo creé un proyecto que combinaría dos de las cosas que la gente mas odia: Llegar a los cuarenta, y que se les tome fotos. El proyecto llamado 40@Forty, requería de mí, crear un nuevo autoretrato cada semana, por 40 semanas y subirlos en mi blog y en Facebook. Anunciando el proyecto y subiendo los resultados cada semana, logré crear un plazo para mi mismo. El hecho de anunciarlo tiene una gran importancia, yo sabía que si fallaba un lunes, alguien podría reclamar, entonces tuve que hacer mi mejor esfuerzo para tener algo listo cada lunes. Por lo difícil que era, terminó siendo uno de los mayores estímulos educacionales que jamás tuve.

Tus auto tareas no tienen que ser auto retratos, o retratos. Podría ser que escojas tu disco favorito y crees una imagen representando el título de cada canción. O podrías ir a un museo y escojer tus 10 pinturas favoritas, y tratar de recrearlas fotográficamente, una por semana por 10 semanas. Las posibilidades son realmente infinitas.

Si tuvieras cualquier otra buena idea para auto tareas, por favor indícalas en el comentario, puede ser que logres inspirar a otros a hacer una prueba.

El siguiente curso podría ser de ayuda para el uso de Photoshop: Click Here!
Saludos.

3 Formas para tener mejor control del autoenfoque

Por Steve Berardi.

A veces el autoenfoque puede ser realmente molesto. Para algunas tomas va a enfocar en el lugar correcto de tu motivo, pero en el siguiente enfoque podría escoger enfocar en algo lejos en el fondo.
Con seguridad podrías evitar este problema usando siempre el enfoque manual, pero el autoenfoque es muy bueno cuando necesitas enfocar rápido, o cuando estás fotografiando un paisaje y necesitas enfocar en un cierto punto de la escena.
Bueno, el autoenfoque no tiene porqué ser molesto nunca mas, porque hay tres formas de tener un mejor control de el.

1- Presiona el botón disparador a medio recorrido para activar el autoenfoque y luego recompones tu toma

Fija tu punto de autoenfoque en el punto central, entonces apunta hacia allí donde quieres enfocar, y presiona el botón disparador a medio recorrido para iniciar el autoenfoque. Entonces, mientras aun mantienes el botón a medio recorrido, recompones tu enfoque y presionas por completo para tomar la foto.

2- Pon enfoque manual después del autoenfoque

Usa el autoenfoque como lo haces normalmente, pero una vez que ha enfocado en el punto escogido, quita el autoenfoque para tener enfoque manual. Tu lente mantendrá el enfoque tomado cuando hagas esto. Este método funciona bien cuando tu cámara está en un trípode y cuando estás tomando exposiciones múltiples desde el mismo punto, como al fotografiar un paisaje.

3- Usa el boton posterior de autoenfoque

Normalmente tu cámara hará un autoenfoque cuando presionas el botón disparador, pero con el botón posterior en autoenfoque, tienes que presionar un botón en el respaldo de la cámara, dándote un completo control de cuándo se inicia el autoenfoque.
Con el botón posterior de autoenfoque, puedes fijar el punto de autoenfoque en el centro, y luego apuntar hacia donde tu quieres enfocar, y finalmente presionar el botón posterior para automáticamente enfocar en ese punto. Ahora para todas las tomas que hagas desde esa posición, ese enfoque será mantenido (la cámara no mas enfocará aleatoriamente en el fondo).
También puedes hacer lo mismo sin este botón posterior de autoenfoque, poniendo la cámara en enfoque manual después de que la cámara haga el enfoque correcto, pero usando el botón posterior ganas tiempo y de este modo no tienes que estar constantemente cambiando entre manual y autoenfoque (lo que podría en forma inadvertida mover la cámara a veces).
El botón posterior es especialmente útil para fotografiar objetos en movimiento, como pájaros en vuelo y otros animales salvajes: solo pon en el modo de enfoque continuo, fija el punto de autoenfoque en el centro, y baja el botón posterior. Ahora tu no tendrás que preocuparte de accidentalmente presionar el disparador, mientras estás siguiendo al objeto con el visor.

Como activar el boton posterior de autoenfoque: Desafortunadamente, esta detalle es llamado de manera diferente en cada cámara, o sea que probablemente tendrás que bucear en el manual de la cámara para encontrarlo. Si no está claramente marcado en la cámara, prueba cambiando las posiciones de los diferentes botones en el respaldo de la cámara ( como el AE lock button ).

Espero les sea de ayuda.

Saludos.

La felicidad de experimentar en fotografía

Por Peter West Carey.

Este artículo no va a ser para todos, por lo que me van a disculpar. No todos pueden serlo. Para aquellos que están anclados en sus costumbres y solo quieren ver una exposición perfecta en cada simple foto, pueden ignorarlo simplemente. Yo voy a hablar de salir de la norma y hacer las cosas mal, a propósito.

En este artículo yo quiero estimular a aquellos de ustedes que comienzan en fotografía. Quiero llevarles a hacer dos cosas: 1) Aprender y entender lo básico. Llegar a ser bien versado en como la luz es capturada y presentada en el sistema digital y en la impresión. El conocimiento de lo básico te va a permitir crear arte donde tu disfrutas lo que estás viendo. 2) Experimentar tranquilamente, no tener temor a que pueda salir mal, no molestar a otros preguntando " que pasaría si yo fuerzo la toma con una mayor velocidad de obturador"? Simplemente hazlo y aprende de lo que haces.
El placer de experimentar con la fotografía digital está en tener la respuesta inmediata (con el archivo de la propia cámara y el histograma) y con la esperanza de entender en el momento. Cuando yo hago esto, lo que sucede es que... La fotografía como una forma de arte, realmente no solo es excitante desde el punto de vista del descubrimiento. Sigue ciertas leyes de la física en cuanto al comportamiento de la luz. Por la experimentación yo se cuanto mas oscura será mi exposición si aumento la velocidad del obturador en dos valores, con la misma abertura de diafragma. No es igual que si hubiera descubierto una nueva especie vegetal en una selva, o una nueva galaxia en el cielo de la noche. Pero es igualmente valioso desde el punto de vista del aprendizaje.
Experimentación es lo que haces después de salir del salón de clase ( como instructor en fotografía, yo por supuesto creo en que, comenzar con una explicación guiada de los fundamentos, es importante). Leerás acerca de lo que debes y lo que no debes hacer, y la mayoría de la gente al intentar hacerlo está en el lugar correcto. Están tratando de ayudarte a aprender sin que tengas que perder tu tiempo probando por tu cuenta. En los dias de la fotografía con película, era aún mas útil, por el costo de la película mas el proceso de revelado y copias.
En la era de la fotografía digital, después del gasto inicial en la cámara, lentes y tarjetas de memoria, ya no hay estos gastos. Leer sitios web y libros, también puede ser un camino para aprender, y también captar ideas nuevas, lo que no debería ser descartado. Mas allá de aprender, puedes ganar mas haciéndolo y es aquí donde comienza la experimentación.
Quieres ver como resulta una excena sobreexpuesta?. Ve por ello. Piensas que un cuadro necesita mucho mas saturación del azul al ser visto en la PC?. No hay problema. Piensas que tu puedes hacer un gran lente macro con dos tubos de extensión y poniendo al reves el anillo de montaje? Mas poder para ti.
Las mayores probabilidades son de que tus tomas no sean satisfactorias al nivel que esperas. Pero puede ser que algunas pueden verse muy, muy buenas para ti. Una toma que te "hable". Y ese es el corazón del arte. Conección con una imagen. Excitar la amoción. Si funciona para ti, no te preocupes demasiado de lo que otros, incluyéndome a mi, o algún otro reconocido escritor de una website, pueda pensar. No tiene que haber una literal rendición de la escena, ni es necesario que sea perfectamente nítida en todas sus esquinas.
Es probable que en algún momento en el futuro, tu vas a mirar tus fotos tomadas 10, 20 o 40 años atras y ellas aún te van a "hablar", o puede que pienses que son horribles. "Que estuve pensando?" es una frase dicha a menudo con relación a fotografía, moda y cortes de cabello. Pero sin experimentar, sin probar cosas nuevas, sin aprender por ti mismo, no vas a progresar hacia tu propia visión creando arte que tu vas a apreciar.
Tu vas a leer y leer acerca de lo que tu debes hacer en fotografía. Hay una gran cantidad de aprendizaje que se obtiene de aquellos que se han tomado el tiempo de aprender y ofrecen su saber. A la par de dicho aprendizaje, esperimenta. Ve por ti mismo que pasa cuando tu haces X o Y. No temas cometer errores. Ellos son un gran maestro.
Y si los otros no tienen interés en ayudarte a aprender, no prestes mucha atención a lo que dicen mientras tu experimentas. Tu no lo estás haciendo para ellos por último.
Diviértete y sigue fotografiando.

Aprende lo básico antes de experimentar, mira:Click Here!

Como fotografiar siluetas

Por Darren Rowse.

Normalmente yo hablo de la importancia de usar el flash al tomar fotos con sol, para dar suficiente luz para agregar detalles en las partes que quedan en sombra ( lo que se conoce como rellenar las sombras ), pero tambien hay veces en que hacer aparecer el sujeto sin detalles, con solo el borde bien delineado contra un fondo brillante, puede ser mas efectista-- o cuando en otras palabras, la silueta es el detalle buscado.
Las siluetas son un excelente modo de agregar drama, misterio, emoción y ambiente a los que ven tus fotos, y con frecuencia se ponen en un album por la combinación de su simplicidad con la historia que muestran. A mi me encantan porque no dan una clara imagen de todo, sino que dejan una parte de la imagen a la imaginación.
La estrategia básica que necesitas emplear para tomar siluetas, es colocar tu objeto ( la forma que quieres dejar en negro ), frente a alguna fuente de luz, y forzar a tu cámara a graduar la exposición como para la parte mas brillante de tu foto ( el fondo ) y no el objeto de tu imagen.
Haciendo esto, tu objeto estará infraexpuesto y muy oscuro, si no negro.
Hay gran cantidad de descripciones muy técnicas, acerca de cómo hacer grandes tomas de siluetas que podrías ver, pero déjame intentar llevarte sobre algunos pasos básicos que te pueden dar los resultados que buscas.
En esencia, lo que tratamos de hacer es lograr que la cámara crea que son las partes brillantes de la foto las que mas te interesan.
He aquí como hacerlo.

1. Escoge un objeto "fuerte"
Casi cualquier objeto puede ser usado como silueta, sin embargo unos son mejores que otros. Escogiendo algo con un contorno fuerte y marcado, puede ser lo bastante interesante en su forma con dos dimensiones, como para atraer el interés de los que ven tu imagen. Las siluetas pueden " dibujar " los colores, texturas y tonos de los objetos para hacerlos atractivos, por eso el contorno debe ser diferente.

2. Desactiva tu flash
Si tienes la cámara en automático, probablemente va a tratar de usar el flash, con lo que arruinaría la silueta. Básicamente se quiere la menor luz que sea posible en el frente del objeto.

3. Dale la luz correcta 
Al momento de iluminar tu objeto, tendrás que desechar mucho de lo que has aprendido acerca de la fotografía normal, y pensar distinto. En lugar de iluminar el frente de tu objeto, en siluetas necesitas que haya mas luz brillando desde el fondo, que desde el frente de tu enfoque. La perfecta luz para esto, se logra colocando tu objeto frente a una puesta de sol, pero en realidad cualquier luz brillante puede servir para hacer el efecto.

4. Enmarca tu imagen 
Enmarca tu enfoque de manera que tengas a tu objeto frente a un bonito plano, pero con un fondo brillante. Usualmente los mejores fondos suelen ser, un cielo brillante sin nubes y con sol. Tienes que tratar de situar la fuente de luz brillante detrás de tu objeto, ya sea de manera que se esconda, o que esté en el fondo en alguna parte.

5. Haz los contornos de las siluetas, distintos y separados 
Si hubiera mas de un objeto en la imagen que estas tratando de destacar como silueta, trata de mantenerlos separados, por ejemplo: si hay un arbol y una persona, que no se pare la persona frente al arbol, ni se apoye en el, porque se integrarían las siluetas, y el resultado puede ser confuso sobre cual es la figura principal.
También es probable que prefieras fotografiar tus siluetas de personas como perfiles, antes que mirando de frente. Esto resultará en que sus detalles ( nariz, boca, ojos ) serán solo delineados lo que los hará mas reconocibles.

6. En modo automático 
La mayoría de las cámaras digitales modernas, tienen medición automática bastante buena para que la exposición de la foto resulte con una buena iluminación. El problema con esto es que la mayoría de las cámaras son tan eficientes que van a lograr iluminar bien el objeto, en lugar de dejarlo infraexpuesto y para conseguir una silueta, es necesario recurrir a algún truco.
La mayoría de las cámaras, en modo automático, regulan la exposición en el momento en que presionas el disparador a la mitad de su recorrido para enfocar la distancia, entonces debes apuntar la cámara hacia la parte mas brillante del cuadro, y luego presiona el disparador a la mitad y mueve la cámara a la posición en que el objeto queda donde tu quieres, y termina la presión para disparar la foto. Con la mayoría de las cámaras, esto resultará en un objeto como silueta. En efecto lo que estás haciendo es hacer creer a la cámara que la parte brillante de la imagen, es el tono medio del cuadro, de manera que cualquier cosa mas oscura, será expuesta como sombra.
Algunas cámaras digitales también tienen modos de medición en un punto o al centro, que al escogerlos ayudarán para hacer lo antes explicado de una manera mejor, porque podrás con mas exactitud hacer que la cámara gradúe la luz en el lugar que tu escojas

7. Modo manual
Si esta técnica no funcionara y tu cámara tiene controles que te permitan graduar la exposición en forma manual, o compensación de la exposición, tu podrás ensayar tus propias graduaciones, es lo bueno de la fotografía digital que te permite experimentar hasta conseguir el resultado que buscas.
Una manera sencilla de comenzar a usar el modo manual, es mirar la apertura de diafragma y la velocidad del obturador que pone la máquina estando en modo automático, y comenzar a partir de ahí. Si en modo automático tu objeto tiene demasiada luz y deseas que salga algo mas oscuro, aumenta la velocidad del obturador para darle menor tiempo de exposición, en un valor o dos y compara los resultados.

8. Enfoque
En la mayoría de los casos, querrás que el objeto que está en silueta, sea el que esté con el enfoque mas nítido. Esto significa que el proceso descrito en el punto 4, puede ser un poco mas trucado de manera que al pulsar el disparador a medio recorrido para medir la luz, también se hace el enfoque en ese punto. Para conseguir esto se pueden usar dos estrategias, primero, si tu cámara tiene enfoque manual, se puede pre enfocar antes de hacer la medición de la luz. La otra estrategia es usar la abertura de diafragma para maximizar la profundidad de campo. Fijar una apertura de diafragma pequeña (un número mas grande) para aumentar la profundidad de campo, con lo cual se tiene mejor enfocado tanto el primer plano como el fondo.

Espero que te haya gustado y te sea útil.
Un buen curso por intenet es:Click Here!