Que lecciones de fotografía te da la Mona Lisa?

Por Darren Rowse

Cuando se trata de famosas imágenes, la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci es una de las más reconocidas en el mundo. Cuando visité el Louvre en Paris hace un par de años, quedé impresionado por la multitud de gente alrededor de esta pequeña imagen, empujándose para acercarse y para tomar una foto de ella ( yo conseguí hacer algunas buenas tomas ) La Mona Lisa ha estado en el centro de mucho debate y especulación a través de los años, pero ¿ porqué es una imagen que intriga tanto a la gente, y qué podemos aprender de ella hoy como fotógrafos? Viviendo en una época diferente ( la Mona Lisa fue pintada en los años 1500 ) y usando una tecnología diferente, ¿ hay algo en esta famosa imagen que puede inspirarnos hoy como creadores de imágenes? Lecciones de la Mona Lisa para fotógrafos Hoy quiero explorar algunos de los diferentes aspectos de la Mona Lisa y destacar algunas cosas que hizo Leonardo al pintar esta imagen que yo pienso que nosotros podríamos tomar como retratistas hoy
Composición
Cuando miramos a la Mona Lisa hoy, vemos su composición harto simple y standard. Para su tiempo, la composición de la Mona Lisa rompió reglas y estableció nuevas tendencias en pintura que han sido seguidas por siglos después. Uno de los elementos composicionales del retrato, es conocido como el uso por Leonardo de la composición piramidal, que muestra al sujeto con una base mas ancha en sus brazos y las manos formando la esquina frontal, y todo está en su lugar para dirigir la vista hacia arriba de su cuerpo a sus ojos y su intrigante sonrisa

Lección para hoy
La misma forma de composición puede funcionar para nosotros. Yo no me atrevería a sugerir que esta es la única o la mejor forma a usar para un retrato, pero la composición piramidal es una forma que se puede ensayar.
La pose 
Nuevamente , hoy en día vemos la pose de la Mona Lisa y nos parece muy normal, pero para sus días fue revolucionaria, pues la mayoría de los retratos de la época eran rígidos, tiesos y con frecuencia eran perfiles antes que miradas frontales. En contraste Mona Lisa es algo relajada y cómoda pues descansa en el brazo de una silla con sus manos cruzadas de un modo relajado. Mientras ella está ligeramente volteando a un lado, está sentada abierta hacia el observador y sosteniendo la mirada También inusual para la época, fue el hecho que Leonardo fue contra la norma con el marco de esta imagen, y optó por la pose de tres cuartos de largo, antes que el largo completo. De esta manera el llenó el marco con su sujeto, el cual lleva por si mismo a una imagen íntima en habitación pequeña. Un último aspecto de la pose, es que Leonardo ha puesto los ojos de Mona Lisa al nivel del ojo del que está viendo la imagen. Esto da una sensación de intimidad a la imagen ya que los que observamos llegamos directamente a sus ojos.
Lección para hoy
Esta pose clásica funciona aún hoy. Llene su marco con su sujeto usando una pose de tres cuartos de largo, relaja a tu sujeto, hazlo girar su cuerpo ligeramente lejos de la cámara y mirar directamente a la cámara. Dale a sus manos algo donde descansar. Sobre todo trata de relajar a tu sujeto

El fondo 
Mucho ha sido escrito acerca del fondo de la Mona Lisa, y podemos decir algunas cosas sobre esto hoy. Una cosa notable es que, mientras las pinturas de la época generalmente tenían a ambos, sujeto y fondo, con total nitidez ( en foco ) y con abundancia de detalles, el fondo de la Mona Lisa parece irse poniendo borroso y fuera de foco conforme se extiende mas lejos del sujeto Esto era inusual para la época y es un efecto que muchos fotógrafos de retratos usan hoy escogiendo una apertura de diafragma grande para dejar el fondo fuera de foco y así solo la imagen resalta en foco nítido. Aunque hay definitivamente puntos de interés en el fondo ( hay mucho debate sobre si los dos lados de este concuerdan, o si se supone que es una especie de fantasía o fondo imaginario ) los colores en el son algo opacos y apagados, nuevamente llevando el foco hacia la Mona Lisa.

Lección para hoy
Hay diferentes maneras de usar el fondo para un retrato. Puede ser usado para poner su sujeto en ambiente mostrando lo de alrededor, o puede ser una cartulina blanca sin detalles de manera que su sujeto destaca. Leonardo hizo ambas cosas con su fondo. Este no lleva el foco mas allá del sujeto, sin embargo el paisaje detrás tiene un elemento de misterio y de interés. También es visualmente complementario al sujeto con algunas de las sombras y colores casi reflejando colores y sombras en las ropas del sujeto
 La lección consiste en considerar cuidadosamente sus fondos, ellos pueden mejorar o malograr sus retratos.
Luz 
Una de las cosas que me gustan de la Mona Lisa es la manera en la cual la luz cae en el sujeto. Leonardo usa la luz para dirigir la vista del observador hacia las partes de la imagen que el desea resaltar ( la cara y las manos ) y balancea bien la imagen colocando las manos y la cara en posiciones que juegan entre si. Leonardo usa también la sombra ( o la falta de luz ) para añadir profundidad y dimensión a diferentes aspectos de la imagen, particularmente el área alrededor del cuello de Mona Lisa y en los pliegues del vestido en su brazo.

Leccion para hoy
Piense en como es iluminado su sujeto. Use esto para dirigir la vista a las partes clave de su imagen, también use las sombras para crear profundidad y dimensión a sus tomas.
 El vestido
 Leonardo recurre a ropas oscuras menos distractivas en esta imagen. Otra vez esta es una ligera diferencia con otros retratos de la época que destacan por ser brillantes.

Mientras su vestido tiene muy pocos detalles ( el trabajo del lazo es bastante fino y el detalle de los dobleces en sus brazos ) y todo esto contribuye a iluminar su cara. También hay una ausencia total de joyas ni accesorio alguno que distraiga la vista de la cara de Mona Lisa Leonardo obviamente deseaba algo de la mujer, que brillara en esta imagen antes que ninguna otra cosa.
Lección para hoy
La ropa es otro elemento que puede ser una real distracción en un retrato. Aprende una lección de Leonardo y usa ropas que vayan con el sujeto y le den contexto, pero que no distraigan a tu observador
Encuadre 
Una de las cosas que no había notado de la Mona Lisa, hasta hoy que he leído acerca de ello, es que a cada lado del sujeto, justo debajo y al lado de cada hombro, hay una sombra de media bola ( ver imágenes abajo a la izquierda ).

Se cree que lo que vemos hoy de la imagen, es ligeramente más pequeño que el original. Parte de la imagen se ha perdido cuando la imagen fue re-enmarcada hasta cierto punto. Que fueron las bolas? La teoría mas aceptada es que, en la versión original completa, dos columnas se extendían desde las bolas a cada lado de Mona Lisa. Ella está sentada en un balcón mirando la vista detrás de ella. Se puede ver el borde horizontal del balcón extendido entre las dos columnas. Aquí se ve como un artista reprodujo la Mona Lisa con las columnas. . Si las columnas en el original se veían exactamente como en esta reproducción o no, no estoy seguro, pero parece que Leonardo usó una técnica que nosotros hoy en fotografía llamamos “ enmarcado “ , ( framing ). Esta técnica busca dirigir la vista del observador de una imagen hacia el sujeto principal. Además puede agregar un pequeño contexto a un retrato ( con las columnas sería mas obvio que Mona Lisa está sentada en un balcón )
Lección para hoy
Aprenda a usar técnicas como el enmarcado, para dirigir la vista del observador de sus imágenes a su sujeto principal. Los marcos pueden ser colocados, o pueden ser una parte natural del entorno alrededor de su sujeto. No los use en cada toma, pero observe oportunidades para incluirlos y así agregar otra dimensión a su retrato.
Misterio 

Quien es la mujer? ( se ha dicho que es una forma femenina del mismo Leonardo junto a la de la esposa del hombre que encargó la imagen ). Que es el fondo?. Porqué está ella sonriendo ( o es el )? Hay algo misterioso, tanto sobre el mismo sujeto ( su mirada es a la vez seductora e indiferente ) como en la forma en que fue pintado ( Leonardo usó una técnica llamada blurring alrededor de los bordes del sujeto, que era nueva para su época y que le da un aspecto misterioso ). Esto deja al que observa la imagen, haciéndose preguntas y usando su imaginación. Dejando elementos de la imagen abiertos a la interpretación, puede hacer a la imagen impactar a su observador.
Lección para hoy
Uno de los elementos que convierte una buena imagen en una gran imagen, es que va mas allá de ser un ejercicio de registro, para convertirse en el relato de una historia. La Mona Lisa ha hecho a sus observadores usar su imaginación y tener conversación acerca de ella por siglos, simplemente porque deja partes de la historia sin relatar. Esto es algo que puede ser aprendido como fotógrafo, pero es algo que llega solo con la experiencia. A continuacion incluyo un link a un sitio que vale la pena ver: Click Here!

La hizo con Photoshop? Porqué, eso no importa

Por: Rick Berk

Con frecuencia cuando la gente mira una imagen se pregunta “ La hizo con Photoshop? “ o “ Realmente esa escena se vería así? “ . Lo dicen como si la cámara, solo con sus propios sistemas, va a producir una imagen  “ Real “ sin editar. La verdad es que toda imagen producida por una de las actuales cámaras digitales, ha sido manipulada, la única pregunta es cómo.
No estoy hablando de casos en que las cosas han sido movidas, o una imagen ha sido añadida después de la toma de la foto. Ciertamente cuando eso sucede se trata del trabajo de un diseñador gráfico o un ilustrador. La manipulación que estoy discutiendo, se refiere al color, contraste, saturación, y balance de blancos. Photoshop y otras herramientas de edición de imágenes, ciertamente hacen el ajuste de esas cosas, mucho más simple que en el pasado cuando era necesario un cuarto oscuro, productos químicos y papel especial, pero esto no cambia el hecho de que todo comienza en la cámara. La fotografía comienza con la presión del obturador, y no termina ahí, ni nunca fue así.

Boston desde el Puente Longfellow. Esta fue una exposición difícil debido al primer plano mas oscuro y con un cielo brillante. Procesarlo en RAW me dio la flexibilidad necesaria para conseguir la imagen tal como la estuve viendo.

En primer lugar, se entiende que toda imagen digital es manipulada de algún modo. Cuando uno saca los archivos JPEG directamente de la cámara, y nunca abre un programa de edición de fotos, no significa que la imagen no ha sido manipulada. Los sensores digitales de imagen registran solo el brillo para cada pixel. El color es interpretado en la cámara, ya sea por el procesador de imagen de la cámara, o si se usa RAW, por un software tal como Adobe Camera RAW. Un filtro Bayer compuesto por la repetición de un patrón de dos filtros verde claro, uno rojo claro y un azul claro, complementa al sensor de imagen. A través del procesador de imagen, los colores que cada pixel representa, son determinados por este filtro. Los valores de intensidad de color no capturados por el pixel, son adivinados, o interpolados por el procesador de imagen usando los valores de color de los pixeles vecinos. Para los archivos JPEG, esta información es armada dentro del archivo. Los archivos RAW guardan esta información de color, por separado de la información de brillo, haciendo posible la manipulación con un software para procesar RAW.

El  tipico bayer filter está sobre el sensor de imagen para permitir a la cámara determinar el color de cada pixel. Entonces la cámara decodifica la imagen en su procesador de imagen. .

Entonces, antes de que usted saque la tarjeta de memoria de la cámara, si ha tomado fotos en JPEG, el procesador de imagen de la cámara ya decidió de que color es cada pixel. Adicionalmente hay ajustes finales para la imagen, de contraste, balance de blancos, saturación y nitidez, hechos por programas como Standard Portrait, Landscape, Neutral u otros. Aun cuando el usuario puede no haber usado un programa editor de imagen, la imagen ya fue editada de acuerdo a los ajustes hechos en la cámara.

Si usted eligió archivos RAW, usted se reservó algún espacio para jugar, porque esos ajustes pueden ser editados. La imagen estará en el software basada en los ajustes hechos a la cámara en el momento de la exposición, pero ajustes como el balance de blancos, contraste, saturación y nitidez, son todos ajustables por medio del software para procesar RAW.

Nada de esto es realmente diferente de la fotografía tradicional con película. La mayor diferencia está en el momento en el cual ciertas decisiones son hechas. Con película, muchas decisiones deben ser hechas antes de la toma, la decisión de usar blanco y negro o color, la decisión de usar película de colores vivos como Fuji Velvia, o algo mas natural como el Kodachrome 64, todo debe ser decidido antes de enfocar el lente.

Actualmente, estas elecciones pueden ser hechas después. Adicionalmente cosas como el contraste y la saturación pueden también ser manipuladas usando máscaras, ( dodging and burning ) y hasta escogiendo distintos tipos de papel.

Quieren un ejemplo? Uno de los mejores ejemplos es una de las más famosas fotos en el mundo. “Moonrise, Hernandez, NM “de Ansel Adams. El negativo no era fácil de imprimir y Adams hizo un arduo trabajo en el cuarto oscuro para obtener su obra maestra.

La conclusión final es que el proceso creativo en fotografía, no termina cuando presionas el botón del obturador y solo el conocimiento del procesamiento puede mejorar tus imágenes. Todas las imágenes pasan por alguna forma de procesamiento, la cuestión es si tu mismo tomas la decisión de hacerlo, o si  dejas a la cámara escoger por ti. Yo soy un ferviente abogado de usar archivos RAW teniendo tu la elección de los requerimientos del formato RAW. Esto se parece mucho al trabajo con negativo en el cuarto oscuro, la habilidad que se necesita en el Photoshop, no es menos que la que se necesita para el cuarto oscuro, solo que es diferente.

Entonces la respuesta a si la foto fue con ayuda del Photoshop, es a elección de cada fotógrafo. Mayormente la respuesta será: “ si, en parte “ para todas las imágenes. Por último déjate llevar por tu creatividad, a menos que seas un fotoperiodista, para el que el realismo es clave, los únicos límites son tu creatividad, tu habilidad con la cámara y tu habilidad en el cuarto oscuro digital. 

 Para aprender a editar fotos se puede ver el programa siguiente:Click Here!

12 Tips para mejores fotos con cámara de celular

Por Darren Rowse.

Vivimos una época en la cual la convergencia está por todos lados. Ya se fueron los días en que una cámara era solo una cámara, un reproductor MP3 era solo un MP3, un teléfono era solo un teléfono…

En estos días las cámaras digitales se encuentran en una variedad de otros aparatos, incluyendo los teléfonos celulares. De hecho las cámaras de celular, son uno de los segmentos de más rápido crecimiento del mercado de cámaras digitales, y con las mejoras en calidad que están siendo ofrecidas en algunos teléfonos ( mas megapíxeles, mejores lentes y alta capacidad de almacenamiento ) algunos piensan que están comenzando a ganar mercado, desplazando la parte baja de la oferta de muchos fabricantes de cámaras.

Lamentablemente muchas de las fotos tomadas con cámaras de celular son de calidad pobre. Esto puede ser el resultado de las cámaras de poca calidad, pero también, a menudo es el resultado de una pobre técnica fotográfica.

A continuación 12 tips para dueños de celular con cámara, para ayudarlos a conseguir lo máximo de sus cámaras.

1. Ilumina bien tu Sujeto

Cuanto mejor iluminado esté tu sujeto, mas clara será tu imagen. Si es posible toma en exterior o enciende luces cuando tomes en interior. Si enciendes luces en una habitación para añadir luz extra a tu foto, ten en cuenta que la luz artificial afecta el color en tus fotos y podrías necesitar mejorar el balance de blancos para corregir esto.

Algunas cámaras tienen un flash incorporado, esto puede realmente mejorar una foto al agregarle claridad, aún estando en exterior ( actuando como luz de relleno ). Si tu cámara no tiene flash, deberías evitar tomar fotos entre luces brillantes porque podrías terminar con tus sujetos como siluetas.

2. Acércate a tu Sujeto

Uno de los errores más comunes con las cámaras de celular, es que el sujeto termina siendo un pequeño objeto irreconocible en la distancia. Las imágenes de celular tienden a ser pequeñas debido a la baja resolución ( aunque esto está cambiando )- entonces trata de llenar tu visor con tu sujeto para evitar tener que usar el zoom al editarlo después ( lo que reduce la calidad aun mas ).

Habiendo dicho esto, acercarse demasiado con algunos modelos de cámara de celular, crea distorsión y desenfoque ( particularmente si la cámara no tiene macro o enfoque corto ).

3. Mantenla inmóvil

Como en toda la fotografia digital, cuanto mas quieto tu teléfono con cámara, al hacer la toma, tanto mas clara será tu imagen.

Esto es especialmente importante en situaciones de poca luz, cuando la cámara va a seleccionar tiempos de exposición mas largos para compensar la falta de luz. Un truco es apoyar tu cámara ( o la mano que la sostiene ) contra un objeto firme como una pared o un árbol, al tomar la foto.

Tener en mente que muchas cámaras de celular, también sufren del “ shutter lag “ ( el tiempo entre la presión del disparador y la toma de la foto por la cámara, puede ser un segundo mas o menos ). Esto significa que debes tener fija la cámara un tiempo mas para asegurar que no haga la toma cuando la estás moviendo.

4. Edita las imágenes después

Aun cuando puede ser divertido usar la edición o los efectos que permita la cámara, editar las fotos después en tu computadora produce imágenes de mucho mejor calidad. Toma tus fotos en color con alta resolución para tener abiertas tus opciones al tratarlas después.

Siempre puedes volverlas en blanco y negro en la computadora, pero no podrías volverlas a color si las tomaste en blanco y negro.

5. No deseches tus fallas

Recuerda que en muchos teléfonos la calidad de la pantalla no será tan buena como la de tu computadora. Entonces es mejor no desechar ninguna foto antes de verla en la computadora. Podrías encontrar que ellas cobran vida en un monitor de más calidad. También podrías encontrar que aún las fallas y tomas borrosas puedan ser utilizables ( en sentido algo abstracto )

6. Evita usar el zoom digital

Por tentador que pueda ser usar el zoom al hacer una toma, (si tu cámara tuviera un sistema de zoom ) si el zoom es un zoom digital, te va a reducir la calidad de la toma ( terminarías con una toma mas pixelada ).

Además siempre puedes editar tu toma mas tarde usando un software para edición de fotos en la computadora.

Por cierto algunas cámaras de celular ya están viniendo con zoom óptico, con estas no habría el problema de agrandar el sujeto agrandando los píxeles.

7. Experimenta con el balance de blancos

Un número cada vez mayor de cámaras de celular, vienen con balance de blancos ajustable, lo que te permite modificar el balance de color en tus imágenes según las condiciones de la toma. Experimenta con esto para apreciar el impacto que tiene en tus tomas. He encontrado que el impacto es diferente según la cámara. Lee tu manual para saber como funciona esto en tu cámara.

8. Toma muchas fotos y experimenta

Lo lindo de todas las formas de fotografia digital ( incluyendo las de teléfono celular ), es la posibilidad de tomar muchas fotos rápido y sin costo. Esto significa que puedes experimentar con diferentes modos y composición y descartar los que no te gustaron.

Las cámaras de celular son particularmente buenas para experimentar con nuevos ángulos y perspectivas, toma desde abajo o desde arriba, de cerca, etc. Terminarás teniendo interesantes y divertidas tomas.

9. Sigua las reglas de composición ( y rómpelas también )

Aprende algunas reglas básicas de composición ( por ejemplo la regla de los tercios: no coloques tu sujeto justo en medio de tu cuadro, sino a un tercio de un lado ). Tips simples como este pueden darle vida a tus fotos.

Pero siempre recuerda que lo lindo de una cámara de celular, es su habilidad para romper todas las convenciones. Algunas de las mejores tomas rompen todas las reglas, entonces toma desde la cadera, desde el piso, desde arriba, de cerca, todo vale.

10. Mantén limpio tu lente

Uno de los desafíos con muchas cámaras de celular es mantenerlas bien y limpias. Los teléfonos pasan mucho tiempo en los bolsillos o en carteras y son usados en toda clase de climas y condiciones. Como resultado se ensucian y pueden fácilmente dañarse, huellas de dedos son un problema común en lentes de cámara de celular, especialmente si su cámara no tiene una tapa para el lente. De tiempo en tiempo es bueno limpiar el lente de su cámara usando un paño suave, los de limpiar anteojos son adecuados.

11. Observe etiqueta al usar la cámara

Aunque no hay reglas establecidas para el uso de cámaras de celulares, hay que considerar como la vas a usar y que impacto podría tener en otras personas. Hay muchos casos de cámaras de celular que abusan al tomar fotos invasivas o voyeurísticas. Pida permiso para tomar fotos a extraños, considere restricciones en el uso de cámaras en lugares como teatros, conciertos, etc.

12. Use la resolución mas alta.

Algunas cámaras de celular permiten escoger que resolución deseas para tomar fotos. Esto va casi sin decirlo ( pero a nosotros nos gusta establecer aún lo obvio ) que a mas resolución, mas clara será tu foto. Esto es especialmente cierto para cámaras de celular que a menudo tienen sensores de menos de 1 megapixel. Tenga en mente sin embargo, que cuando mas alta es la resolución, mas grande es el tamaño del archivo de las imágenes que toma, esto significa que si quiere enviar imágenes, podrían tomar un tiempo largo para el envío.

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5 tips para el control de la luz natural

Por Mitchell Kanashkevich
En el artículo “ Estás practicando estos 5 tips sobre la luz natural “ he discutido 5 cosas que yo considero que son las primeras ideas detrás del trabajo efectivo con luz natural. En este artículo es momento de discutir algunas de las formas específicas con las cuales podemos controlar la luz natural, o más bien controlar el impacto que la luz natural tiene en la escena que encuadramos en el visor de la cámara.
  1. Esperar
 Tal como he mencionado en el artículo anterior, las características de la luz natural cambian. Tomando la misma escena o sujeto a diferentes horas del día, o en diferentes condiciones de clima, puede producir imágenes completamente diferentes. Esperar es lo primero, es lo mas fácil, pero al mismo tiempo potencialmente lo mas frustrante que podemos hacer en nuestro esfuerzo por controlar la luz. La espera puede durar unos pocos minutos, por ejemplo mientras pasan unas nubes, a unas horas para que salga el sol, o semanas para que una particular condición de clima se produzca. Mientras estamos a merced de la madre natura esperando una particular clase de luz natural, podemos reducir algo de la frustración estando mejor preparados para sacar ventaja de la luz que nos ha tocado. Podemos hacer esto verificando los reportes del clima antes de ir a los lugares escogidos, observando los efectos de la luz de los fenómenos climáticos en aquellos lugares, y entendiendo lo que podrían causar ciertas condiciones como neblina o hasta incluso una tormenta de arena.

La imagen de arriba se logró porque yo observé el clima en el área antes de la toma, y porque yo esperé. En las mañanas en esta parte de Rumanía en esta época del año regularmente hay neblina, que produce una dramática reacción al sol del amanecer. La neblina se disuelve antes que el sol ascienda del todo, por lo que la foto más dramática se puede hacer en las primeras horas del ascenso del sol. Yo esperé, volví a este lugar en el momento preciso y tomé la imagen que pueden ver, el humo de las chimeneas fue un bono extra. 2.Difundir la luz
 No podemos difundir la luz natural en su fuente- el sol. El primer y más simple modo para difundirla es mediante nuestra posición y/o la de nuestros sujetos en relación con el sol. Por ejemplo, podemos pedir a nuestro sujeto que se mueva ( o ubicarlo, si fuera un objeto inanimado ) en la sombra o al interior, o simplemente podemos escoger objetos que ya están en la sombra o al interior—esto nos dará bastante luz natural difusa con que trabajar.

La imagen de arriba fue tomada en un día de sol brillante. La luz directa del sol era demasiado fuerte y no apropiada para la imagen que yo quería hacer, entonces les pedí a los sujetos que se muevan hacia la sombra de las paredes de su casa. También podemos difundir la luz con difusores hechos especialmente, que usualmente son telas brillantes extendidas en un marco. El efecto es el mismo, pero el difusor es portátil. Corriendo las cortinas sobre las ventanas es otro ejemplo perfecto de un difusor de luz natural. Un imponderable en la difusión de la luz natural de esta manera, es que no podemos realmente hacer mucho en el caso que el sujeto sea muy grande, como un edificio o una montaña. En tales casos no podemos hacer nada sino esperar que la naturaleza difunda la luz, por ejemplo con nubes.
  3.Dirigir la luz
 Podemos dirigir la luz natural de manera similar a como la difundimos—moviéndonos y/o moviendo a nuestros sujetos en relación a la fuente de luz, que en este caso puede ser el sol, si estamos al exterior, pero también podría ser una ventana abierta, si estamos en interior.

Un ejemplo perfecto de dirección de la luz estando al exterior, es cuando elegimos hacer una imagen tipo silueta, como en el caso de arriba. Posicionas al sujeto entre el sol y tu, así diriges la luz desde atrás del sujeto haciendo un contraluz. Lo mejor cosa con la luz natural, es que hay virtualmente incontables maneras de dirigirla, dependiendo de la posición del sol, o la fuente de luz ( si estamos en interior ) y por supuesto dependiendo de la posición suya y de su sujeto.

Nótese como hay una clase de contorno brillante alrededor de la abuelita y de la vaca en la fotografía de arriba. Esto también es por la forma en que he dirigido la luz, o en otras palabras a causa de mi posición en relación a la fuente de luz ( el sol al comienzo de su descenso, y el sujeto ). Yo hice una elección consciente del momento de hacer la toma cuando el sol iluminaría a la abuelita desde un particular ángulo- ligeramente desde atrás y un poco desde el costado. Esto fue lo que causó las líneas brillantes en el contorno. La siguiente fotografía es un ejemplo perfecto de dirección de la luz estando al interior. La manera mas fácil de hacer esto, es posicionar al sujeto muy cerca de la fuente de luz que en este caso fue una angosta puerta. Como se puede ver, los resultados pueden ser dramáticos, particularmente si el interior es bastante oscuro y la única fuente de luz es la que está cerca del sujeto. En tales circunstancias la luz nos ayuda a crear una progresión de tonos oscuros de luz, que resulta en una suerte de efecto escultórico, el sujeto se ve bien definido, lo que da una sensación de volumen.

Como en el caso de difundir la luz natural, estamos limitados también para dirigirla. Podemos pedir a un sujeto que se mueva, pero no podemos mover, por ejemplo, montañas. Sin embargo tenemos algo de control. Con transporte y algo de planificación previa, nos podemos mover alrededor de las montañas, hasta un particular ángulo en relación con la luz, de manera que nos podemos posicionar de una manera favorable a nuestros propósitos fotográficos.
  4. Reflejar la luz

Podemos reflejar la luz en unas pocas diferentes maneras. Reflectores con superficies especialmente reflectivas ( a veces de diferentes colores ) son la manera mas fácil de reflejar le luz. He usado uno de estos para la imagen de arriba, para darle algo mas de vida, porque en algunos casos, la luz difusa puede hacer que todo se vea un poco sin volumen o relieve. El reflector trabaja reflejando la luz, dirigiéndola hacia el sujeto. Para un efecto mas pronunciado, es mejor tener al sujeto en luz difusa ( como fue el caso de la imagen de ejemplo ), en la sombra o al interior, y tener el reflector reflejando sol brillante. Cuanto mas cerca esté el reflector al sujeto, mas fuerte será la luz que proyecte. Para la imagen de arriba, yo tuve un amigo sosteniendo el reflector a unos 4.5mt del sujeto. El encontró un sitio donde los rayos del sol caían en el reflector y eran dirigidos hacia el sujeto desde un lado. Casi cualquier cosa plana y relativamente brillante puede servir de reflector, en diferentes intensidades, nieve, agua, hasta arena brillante.
  5. Considerar situaciones con múltiples fuentes de luz
 Estas situaciones ocurren en espacios interiores, que pueden ser construidos o naturales ( ejemplo una caverna ). En estos casos, las ventanas u otras aberturas actúan como fuentes de luz, y si hubieran dos o algunas mas, podemos tener finalmente múltiples fuentes de luz.

Observen la imagen de arriba, el hombre recibe luz desde atrás que le produce brillo alrededor de su cabeza, pero al mismo tiempo recibe suficiente iluminación desde el frente como para que podamos ver detalles en su cara y cuerpo. Esto sucede porque la luz viene desde dos fuentes, la ventana detrás de el, y la puerta hacia la cual está caminando ( la que no está en el cuadro ). Un escenario similar tiene lugar en la siguiente imagen. La fuente principal de luz es la ventana a la izquierda del cuadro, la que crea una progresión de tonos ligeramente oscuros, haciendo que el sujeto se vea como esculpido ( igual que cuando dirigimos la luz ). Hay sin embargo otra fuente de luz aquí, una ventana justo detrás de mí, cuyas cortinas fueron corridas sobre ella. Las cortinas difunden la luz, pero la luz aún es suficiente como para servir de luz de relleno.

Palabras finales
 Ahora está usted familiarizado con algunas de las formas como podemos controlar el impacto de la luz natural en la escena que planeamos fotografiar, puede salir y experimentar.

5 Tips con la luz natural

Por Mitchell Kanashkevich- autor del libro (ebook), Natural Light: Mastering a Photographer`s Most Powerful Tool.

 1. Tenga en cuenta que las Características de la luz Natural Cambian 
 La luz natural es la mas importante y poderosa herramienta disponible para los fotógrafos, y es gratis para todos en el mundo entero. Comprender como trabaja la luz natural, y como trabajar con ella efectivamente, es una de la claves con la cual todos nosotros podemos mejorar nuestra fotografía sin gastar mas dinero en equipo sofisticado. En este artículo de blog, he delineado cinco tips los cuales considero los mas vitales para mejorar la forma en que trabajamos con la luz natural y con ello mejorar nuestra fotografía. Antes de entrar a los tips, quiero dirigir la atención a un hecho muy importante. Tomamos fotos para comunicar visualmente. Con nuestras fotos intentamos contar historias, o plasmar un ambiente, una atmósfera, que es como estar en un lugar o con una cierta persona. Este hecho es muy importante tener en mente, porque nos ayuda a poner todo en perspectiva. Nos ayuda a tener presente que, finalmente nuestro uso de la luz natural, es ni mas ni menos que uno de los recursos para comunicar visualmente
Las características de la luz natural cambian a causa de la hora del día, a causa del clima y por varias otras circunstancias. Se puede decir que hay diferentes clases de luz.

Las diferentes clases de luz harán que la misma escena se vea diferente como se puede ver en las fotos de arriba, que fueron tomadas a diferentes horas del día ( la de la izquierda al anochecer, la del medio al amanecer y la de la derecha a mediodía ). Para el fotógrafo esto significa que, si una escena no se ve de la manera que uno quisiera, como se veía a la hora del día, o con el clima con que inicialmente fue vista, se puede tener la posibilidad de captarla viéndose completamente diferente, en otra hora con otra clase de luz. 2.No ver la luz natural en términos de “ buena “ o “ mala “ 
  Muchos de nosotros estamos virtualmente adoctrinados con la idea de que la luz durante la “ hora dorada “ ( cuando se pone el sol ) es buena, o mas aún, es la mejor clase de luz para hacer fotografía. La luz alrededor del mediodía es generalmente considerada como la peor calidad de luz. En realidad, esta manera de ver a la luz, puede ser creativamente muy limitante. La luz de la “ hora dorada “ hace que todo se vea hermoso y mágico a causa de las tonalidades suaves y doradas que produce. 

La imagen de arriba es un gran ejemplo de luz de “ hora dorada “ embelleciendo una escena. Pero, y si quisiéramos crear una imagen que no sea acerca de la belleza de un lugar o una persona ? La luz de la hora dorada puede no ser apropiada en tal situación.
 La imagen de abajo es un buen ejemplo de cuando la luz del mediodía puede ser la calidad preferida de luz. Con esta foto he querido comunicar primeramente lo que es trabajar en un entorno muy soleado, y he querido mostrar la dureza del trabajo manual. Si la imagen hubiera sido tomada durante la hora dorada, la escena se podría haber embellecido y romantizado, y el mensaje probablemente se habría perdido. En la fuerte luz del mediodía, las sombras marcadas y los vivos colores, me ayudaron a comunicar exactamente lo que quería. 

En conclusión mi consejo es, mirar los diferentes tipos de luz natural, como herramientas a escoger de un juego de herramientas. Ninguna herramienta es buena o mala, solo adecuada o no para lo que estás tratando de comunicar. 
 3. Obsesiónese con observar la luz 
Observe la luz en su vida diaria, como interactúa con todo lo que está a su alrededor, con partículas de polvo, agua, observe como cambia cuando uno se mueve de un lugar a otro, como produce las sombras. Observe como los fotógrafos que usted respeta usan la luz en su trabajo. El objetivo es autoeducarse, entrenando sus ojos en reconocer diferentes escenarios de iluminación y eventualmente ser capaz de predecir cuando alguno de los mas evasivos puede ocurrir. 
La foto de abajo fue posible porque yo había observado similares escenarios de iluminación anteriormente. Yo sabía que rayos de luz estrechos a través del humo, pueden crear efectos dramáticos, cuando la luz ilumina el humo en un cierto ángulo. En esta situación el sol estaba situado justo iluminando el humo en el ángulo correcto para producir el efecto especial del rayo de luz. Tenía una fuente de luz angosta, la puerta entreabierta, que pude angostar aún mas pidiendo a mi amigo cerrarla mas, acentuando así el efecto.

 4. Experimentar y fotografiar solo para ver como se traslada cada cosa a través del visor

No importa cuanto observes la luz natural, o cuantos tips has leído acerca de esto, para realmente hacer lo máximo de esto fotográficamente, necesitas tomar fotos.

La experimentación no necesariamente conduce a obras maestras, pero te ayuda a entender como trabaja la luz en un sentido práctico. Con cámaras digitales no hay razón para reservar tomas, si ves un escenario interesante de iluminación, y estás pensando como se vería en una imagen, toma la foto. Eso es exactamente lo que hice con la escena de arriba. Yo vi que la escena estaba a contraluz, pero a la vez había luz que venía de la parte detrás mío. El primer pensamiento que vino a mi mente fue “ Como pudiera darle la vuelta”. Yo experimenté, hice varias tomas y llegué a lo que considero una imagen fuerte.

5. Exponer con el Post-Procesamiento en mente

No importa cuan buenas puedan ser nuestras cámaras, no seremos capaces de capturar el rango tonal completo creado por algunas de las mas difíciles situaciones de iluminación, sin la ayuda del software de post procesamiento tal como Adobe Lightroom.

Para obtener el máximo de tales situaciones es importante usar una exposición que te de la posibilidad de capturar el máximo detalle. Esto puede significar infra-o sobre-exponer ciertos elementos en una escena. Déjenme explicarlo usando un ejemplo.

Pueden ver en la primera imagen de abajo, que las caras de los hombres parecen oscuras, están infraexpuestas. Esta es la imagen que captó la cámara y mi decisión de infraexponerla fue deliberada. Con la exposición adecuada para las caras, las nubes hubieran resultado sobreexpuestas.

 En este caso no habría sido capaz de captar el detalle en esas nubes sobreexpuestas y se hubieran vuelto grandes bultos blancos. Por otra parte yo sabía que yo podría iluminar las caras de los hombres y sacar los

necesarios detalles en las nubes en Lightroom, con el simple recurso de rellenar las sombras.

Hacer la exposición con el postproceso en mente es una pequeña batalla mental. Constantemente tienes que preguntarte:  ¿Cual elemento es mas importante para la imagen? ¿Cuales son los detalles que podría aceptar perder, y cuales no podría perder? Por último puede haber situaciones donde los detalles no se pueden preservar infra-exponiendo o sobre-exponiendo y hasta que mejore la tecnología fotográfica, es algo con lo que tenemos que vivir.

 Algunas palabras finales 

Como ya he mencionado, no importa cuanto leemos sobre fotografía, para llegar a ser un mejor fotógrafo, nada importa más que hacer fotos. La mejor manera de aumentar y mejorar nuestra comprensión de la luz natural, es tener en mente los tips antes mencionados y fotografiar tanto como se pueda, en tantos escenarios diferentes de iluminación como sea posible. A continuación he incluido un cuadro interactivo que permite escoger un modelo de cámara de sistema compacto, del stock de Amazon, por sus características como marca,visor,megapìxeles y mas.

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Una leccion de 15 minutos para un fotógrafo principiante

Por: Peter West Carey. Estaba sentado en el calor y la humedad de la selva del Amazonas, dentro del aeropuerto (diseñado en 1970) de Puerto Maldonado, Peru. Teníamos unos pocos minutos antes de dirigirnos de regreso a Lima y yo estaba tratando de encontrar tiempo para ayudar a un joven noruego que viajaba con el mismo itinerario que yo.
Cuando el me vio unos días antes, tuvo un comentario que ya he oido docenas de veces durante mis viajes: " Yo justo he comprado esta cámara antes de mi viaje, y no he tenido como aprender a usarla, entonces simplemente la puse en Auto".
Si usted ha dicho esta misma frase en el pasado reciente, entonces lea esto. Si usted ya domina su cámara, no le resultará excitante.
Entonces yo le dije que me gustaría ayudarlo a aprovechar un poco mas su cámara para el resto de sus viajes por Sud América. Hacer esta oferta siempre es riesgoso porque algunos solo quieren unos pocos tips, pero otros te pueden absorber medio día de recorrido con constantes preguntas. Desafortunadamente nosotros no tuvimos la oportunidad de sentarnos y hablar de cámaras puesto que nuestro tiempo de viaje juntos, ya casi había terminado.
Con solo 15 minutos antes de abordar y sentarnos en diferentes áreas del avion, hice lo mejor que pude para darle rápidos tips para tomar mejores fotos cuando el fuera a Brasil.
He aquí lo que le dije.

Quita el modo Auto ( y las razones por que )
Como mucha de la gente nueva en uso de cámaras, el se quedó con el Auto o Auto sin flash. Yo pronto le expliqué que su cámara toma imágenes promedio en Auto, y le mostré unos pocos ejemplos. Quieres destacar una persona de un grupo? El automático hará que cada uno esté en foco, perdiéndose destacar a tu amigo. Frente a una puesta de sol y pensando porqué tu amigo siempre saldrá negro y el sol no es brillante?, por el modo automático. Con esto en mente yo sugerí...
Prueba el modo P
Moviendo el dial a P(rogram), le expliqué que él ahora estaría a cargo de cuándo el flash funcionaría (sin olvidar usarlo de noche cuando sea necesario, pero también a medio día, cuando hay sombras en los rostros, se puede rellenar las sombras con el flash). El también podría controlar la medición de la luz. Como habían luces en el aeropuerto, y amigos sentados con una luz brillante detras, tomé una foto con los amigos en el centro. Ellos salieron bastante oscuros a causa de la luz que había detras. "Si, yo he estado haciendo eso todo el tiempo" exclamó. La cámara estaba midiendo la luz detras y no delante en los amigos.
Le mostré un simple truco dirigiendo la cámara ligeramente hacia abajo de manera que el grupo de amigos llenaba el cuadro de la imagen, más que la luz que había detras. El podía entonces presionar el disparador hasta la mitad de su recorrido para que la medición se haga en ese lugar y luego volver a levantar la cámara para centrar el grupo de amigos y tomar la foto. Bum, los amigos están bien iluminados, mientras el fondo resulta algo sobreexpuesto. Expliqué que presionando el disparador hasta la mitad de su recorrido, la cámara mide la luz y la distancia, antes de continuar hasta que dispare la toma.
El modo P le permitiría otros ajustes, los cuales tuvimos que dejar de tratar por falta de tiempo. Yo le dije que había mas por aprender y que el manual le explicaría los ajustes que son posibles en ese modo.

Cuando usar el modo A
El modo A(perture) fué el siguiente y tiene uno de los mejores efectos en las imágenes. El modo A controla cuantas cosas van a estar en foco. Obviando los aspectos técnicos, yo le dije que cuanto mas bajo el número f/ (se muestra al fondo de su pantalla), menos cosas van a estar en foco. Cuanto mas alto el número, habrá mas cosas en foco. Esto es muy importante para hacer destacar algo.
Nuevamente usando un amigo, le mostré como a f/3.5 la persona destaca de los otros pasajeros en el área de espera ( demostrado aquí con una toma de el muro de una ruina en Machu Picchu a f/6.3)

Entonces aumenté el número f/ a su máximo y tomé otra foto, los amigos se mezclaron con el fondo ( demostrado aquí al aumentar el número de apertura de diafragma a f/40 en Machu Picchu )

La lección? Un número pequeño de apertura, ayuda a destacar objetos de lo que está en el fondo. Cuando quieres incluir todo, como un amigo frente a una playa o un monumento, usa un número alto.

Cuando usar el modo S
Como ya habían hecho el llamado de pre-embarque y la gente comenzaba a moverse, yo apuré mi presentación, que en este punto, era acerca de la velocidad en modo S(hutter priority). En modo S el ahora tiene el control sobre cuantas cosas saldrán borrosas. Por límite de tiempo, hice dos tomas en modo S.

A 1/10 de segundo, el movimiento comienza a hacer ver difusas las formas en interesantes maneras, si tu sabes lo que va resultando.
Por ejemplo, caídas de agua se empiezan a ver como velos. Cualquier movimiento puede ser acentuado.

1/500 de segundo es una buena velocidad para comenzar a congelar el movimiento.
Si el quiere detener algo en movimiento, cuanto mas rápida la velocidad de obturador, será mejor. Objetos que se mueven rápido típicamente necesitan una velocidad de 1/500 de segundo o mas. Este número es también controlado con el dial frontal que debe haber en tu cámara. Un ejemplo, aquí debajo, de un camión pasando rápido frente a una nueva estatua de Buda construida en Butan, tomado a 1/800 de segundo para detener la imagen del camión con nitidez.

Acercarse
Yo le dejé a el un último y simple consejo, y también para usted. Acérquese. Uno de los grandes errores de los fotógrafos novatos, es alejarse demasiado tratando de tener todo en foco. Esto, aunque a veces es efectivo, produce imágenes planas en dos dimensiones por carecer de profundidad. Acérquese. Yo le mostré a el algunos ejemplos con su cámara y por eso no tengo conmigo esas inágenes en el aeropuerto, pero puedo mostrar lo que digo con otro juego de fotos.
La primera imagen es la toma standard del turista. " Miren que bonita planta "

El problema es que la planta se pierde entre lo que hay en el fondo. Moviéndose un poco mas cerca, comienza a destacarse un poco mas.

Pero podemos hacer una toma aun mejor, logrando algo de detalle. En esta última toma, yo estoy a unos 30cm de la planta.

En este punto, mi sección del avion fué llamada para abordar, y era tiempo de partir.

Probablemente nunca mas volveré a ver al joven noruego, yo espero que esos 15 minutos lo ayudaron a tomar fotos un poco mejores en sus viajes por el mundo. Es también mi sincera esperanza, que esos pocos minutos puedan ayudar a usted, si está recién comenzando con una nueva cámara y quiere algun consejo para hacer mejores fotos.
Finalmente yo hubiera agregado: !Experimenta¡ , la fotografía debe ser divertida, y con costo cero prácticamente para experimentar digitalmente, juega con tu cámara y ve lo que funciona para ti.

Si tuvieras apenas 15 minutos para ayudar a alguien nuevo en fotografía y estuvieras viajando, que cosas le dirías?
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Aumenta un poco tu creatividad

Por Larry Lourcey.

Cuánto mejores serían tus imágenes si fueras mas creativo? Hay algún fotógrafo por ahí que no quisiera ser mejor en ésta área? La creatividad para un fotógrafo, es como los ingredientes para un chef. Si solamente tienes sal y pimienta para trabajar, tu comida no tendrá tan buen sabor como la de una persona con un recipiente lleno de especias. Entonces, cómo podrías llenar el recipiente de tu creatividad?

Una de las mejores maneras de aumentar tu creatividad, es por medio de auto tareas. Por definición, una auto tarea es algo que tu mismo te lo impones. No hay dinero por ganar, no hay un plazo de entrega, y no hay límite a tu creatividad. Desgraciadamente, la falta de un plazo de entrega, a menudo nos hace dejar proyectos en la hornilla del fondo y eventualmente olvidarlos. Teniendo un proyecto claramente definido, con plazos reales, aumentarás drásticamente la probabilidad de terminar el proyecto.

Los auto retratos son uno de mis desafíos favoritos para trabajar. El modelo está siempre disponible, no hay límites creativos y ellos te pueden realmente ayudar a crecer artísticamente. Hacen pocos años cumplí cuarenta. Para celebrarlo creé un proyecto que combinaría dos de las cosas que la gente mas odia: Llegar a los cuarenta, y que se les tome fotos. El proyecto llamado 40@Forty, requería de mí, crear un nuevo autoretrato cada semana, por 40 semanas y subirlos en mi blog y en Facebook. Anunciando el proyecto y subiendo los resultados cada semana, logré crear un plazo para mi mismo. El hecho de anunciarlo tiene una gran importancia, yo sabía que si fallaba un lunes, alguien podría reclamar, entonces tuve que hacer mi mejor esfuerzo para tener algo listo cada lunes. Por lo difícil que era, terminó siendo uno de los mayores estímulos educacionales que jamás tuve.

Tus auto tareas no tienen que ser auto retratos, o retratos. Podría ser que escojas tu disco favorito y crees una imagen representando el título de cada canción. O podrías ir a un museo y escojer tus 10 pinturas favoritas, y tratar de recrearlas fotográficamente, una por semana por 10 semanas. Las posibilidades son realmente infinitas.

Si tuvieras cualquier otra buena idea para auto tareas, por favor indícalas en el comentario, puede ser que logres inspirar a otros a hacer una prueba.

El siguiente curso podría ser de ayuda para el uso de Photoshop: Click Here!
Saludos.